---

Видео на тему: Выставочные экспозиции в Москве и за рубежом

Аладдин Гарунов. Путь. Форма. Образ. ММСИ 10 апреля - 24 мая 2026 Московский музей современного искусства представляет персональную выставку художника Аладдина Гарунова, самобытного автора российского современного искусства, работающего на пересечении живописи, скульптуры и объектного искусства. Проект «Путь. Форма. Образ» объединяет около 100 работ, созданных с 1990-х годов до настоящего времени, и раскрывает ключевые направления его художественного поиска. Алладин Гарунов на протяжении всей практики соединяет традиции культуры Северного Кавказа и язык актуального искусства, создавая произведения, в которых архаические культурные коды вступают в диалог с материалами и эстетикой индустриальной современности. Работы Гарунова формируют насыщенное визуальное пространство, где ковры и орнаменты соседствуют с бетоном и промышленной резиной, а устоявшиеся символы и каллиграфические элементы соединяются с объектами повседневности. Такое сочетание материалов и образов – способ размышления о культурной памяти, духовных обычаях и универсальности художественного языка. Экспозиция выстроена не как хронологическая ретроспектива, а в соответствии с траекторией духовного развития автора: от исследования собственной идентичности и формирования индивидуального художественного языка – к поиску универсальных культурных образов и констант. В завершающих залах будут представлены поздние циклы произведений «Тотальная молитва» и «Зикр», в которых практика Гарунова постепенно приобретает характер медитативного обращения к духовному миру. В выставку войдут работы из коллекции Московского музея современного искусства и из частных собраний, а также новые произведения, созданные Аладдином Гаруновым специально для этого проекта. Куратор Катерина Зайцева О ХУДОЖНИКЕ Аладдин Рамазанович Гарунов родился в 1956 году в селе Укуз Курахского района Дагестана. В 1977 году переехал в Москву, где продолжил образование в Московском высшем художественно-промышленном училище имени С. Г. Строганова, которое окончил в 1985 году. Участник многочисленных российских и международных выставок. Дважды финалист «Премии Кандинского» в номинации «Проект года» (2010, 2012), лауреат премии имени Сергея Курёхина в номинации «Лучшее произведение визуального искусства» (2013). Заслуженный художник Республики Дагестан. С 2024 года член-корреспондент Российской академии художеств (отделение Новейших течений). Работы Гарунова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Московского музея современного искусства и других музейных и частных коллекциях. Живёт и работает в МосквеРотко во Флоренции. Палаццо Строцци 14 марта - 23 августа 2026 С 14 марта по 23 августа 2026 года Фонд Палаццо Строцци представляет одну из важнейших выставок, посвященных Марку Ротко (1903–1970), бесспорному мастеру американского модернистского искусства. Выставка «Ротко во Флоренции» , кураторами которой являются Кристофер Ротко и Елена Геуна, — это уникальный проект, созданный специально для Палаццо Строцци, чтобы отметить особую связь художника с Флоренцией. Архитектура дворца и сам город служат идеальным фоном для изучения того, как Ротко переводил напряжение между классическим размером и выразительной свободой в живопись, создавая с помощью цвета новое восприятие пространства, выходящее за рамки двухмерности холста . Выставка в Палаццо Строцци прослеживает всю творческую карьеру Ротко и включает более 70 работ из престижных частных коллекций и ведущих международных музеев, в том числе Музея современного искусства (MoMA) и Метрополитен-музея в Нью-Йорке, галереи Тейт в Лондоне, Национального центра искусства и культуры имени Жоржа Помпиду в Париже и Национальной галереи искусств в Вашингтоне . Проект , начинающийся в Палаццо Строцци, распространяется на Флоренцию и включает в себя две специальные дополнительные инсталляции в местах, имеющих особое значение для художника: Музей Сан-Марко , где будут представлены избранные работы в диалоге с фресками Фра Анджелико, и Вестибюль Библиотеки Медичи Лауренциана, спроектированный Микеланджело. Проект, начавшийся в Палаццо Строцци, распространяется на Флоренцию посредством специальных выездных мероприятий в двух учреждениях Министерства культуры, имеющих особое значение для художника: в Музее Сан-Марко, где в залах с фресками Фра Анджелико будет представлена подборка из пяти работ, и в Библиотеке Медичи Лауренциана, где две работы будут представлены в диалоге с вестибюлем, спроектированным Микеланджело. Первое знакомство Ротко с Флоренцией произошло в 1950 году во время поездки в Италию с женой Мелл. Его глубоко тронули фрески Фра Анджелико в монастыре Сан-Марко и архитектурное видение Микеланджело в вестибюле библиотеки Медичи Лауренцианы, которое вдохновило его на создание фресок Сиграма в конце 1950-х годов — диалог, который Ротко продолжил развивать во время своего второго визита во Флоренцию в 1966 году. В некоторых из его более изящных работ можно также заметить влияние итальянского искусства XV века и, в частности, техники фресок Анджелико. Ротко и Анджелико разделяли стремление вызвать ощущение трансцендентности, измерения, одновременно далекого и глубоко знакомого. В то время как Анджелико достигал этого посредством эмоционального резонанса божественных фигур, вступающих в диалог с земной реальностью, Ротко создавал цветовые поля, способные сопровождать зрителей в различные эмоциональные глубины, бросая вызов общепринятым представлениям об абстракции и теории цвета. Музей Сан-Марко Библиотека Медичи ЛауренцианаМеры пространства. ММСИ 06 марта - 03 мая 2026 Московский музей современного искусства запускает новый проект в рамках программы «Коллекция. Точка обзора» — выставку «Меры пространства», которая откроется в Образовательном центре. Экспозиция представляет собой исследование пространства в искусстве ХХ — начала XXI века на основе произведений из фондов ММОМА. Особый интерес к изучению пространства, его бесконечности, изменчивости и динамики, возник в начале ХХ века. Во многом он был вдохновлен новой картиной мира, которая возникла, в первую очередь, в связи с теорией относительности Альберта Эйнштейна. Для художников границы между изображением и зрителем, сознательным и бессознательным, настоящим и воображаемым стали специальным объектом исследования. Благодаря этому возникли новые виды и формы современного искусства: скульптоживопись, инсталляции и видеоинсталляции, кинетические объекты и др. Выставка охватывает множество подходов к исследованию пространства как ключевого элемента искусства, что позволяет увидеть эволюцию художественных практик. Экспозиция включает произведения отечественных художников, созданные в различных медиумах с 1920-х годов до настоящего времени. Среди авторов — мастера, чьи работы стали знаковыми для коллекции музея: Давид Бурлюк, Эдуард Криммер, Владимир Стерлигов, Андрей Гончаров, Эрик Булатов, Виталий Пушницкий, Франциско Инфанте и Нонна Горюнова, Александр Петровичев и Платон Инфанте, Сергей Шеховцов. Также на выставке представлены работы Александра Панкина, Александра Соколова, Марии Кулагиной, Ирины Тотибадзе, Ильи Евдокимова и Егора Плотникова из числа недавних поступлений. Центральной фигурой на выставке станет Владимир Фаворский (1886-1964). Мастер работал в графике, живописи, монументальном искусстве и искусстве книги, а также написал значительный корпус теоретических трудов. Среди них — фундаментальная «Теория композиции», созданная автором на основе его знаменитого курса лекций во ВХУТЕМАСе. Фаворский был наставником многих художников разных поколений, и его роль в истории отечественного искусства трудно переоценить. Пространство он называл главным предметом живописи, а человека — «мерой пространства». Влияние идей Фаворского ощутимо до сих пор, о чем призваны свидетельствовать и работы из собрания ММОМА. На выставке будут представлены произведения и архивные документы из собрания наследников Фаворского. Ключевым экспонатом станет его монументальное сграффито «Женский профиль» (1932), которое художник подготовил для оформления Музея охраны материнства и младенчества в Москве. Выставка «Меры пространства» предлагает не только новый взгляд на пространственную тему в искусстве, но и демонстрирует характер коллекции ММОМА, отражая ее главный принцип — изучать и показывать современность во всем ее многообразии. Кураторы Оксана Воронина О программе «Коллекция. Точка обзора» — долгосрочная выставочная программа, разработанная специально для Образовательного центра MMOMA в дополнение к ставшей знаковой для музея серии масштабных тематических экспозиций. Ее отличает иной, фокусный и камерный подход к изучению и демонстрации музейных фондов, а также значительно более динамичный ритм показа. Программа объединяет самые разные по типу выставки — от монографических и архивных до междисциплинарных. Посвященные исследованию отдельных сегментов коллекции, эти, по сути, лабораторные проекты нередко обращаются к частным, немагистральным, художественным сюжетам и позволяют тестировать новые экспозиционные решения. Программа дает возможность рассмотреть широкий спектр явлений — имен, направлений, образов и идей в отечественном искусстве XX–XXI веков — с различных позиций и ракурсов. В свою очередь само музейное собрание как уникальный ресурс представляется удобной «точкой обзора» для разговора об искусстве, истории, науке и культуре в целом. Программа запущена в конце 2017 года и реализуется сотрудниками-кураторами Научного отдела MMOMA. Авторы программы: Андрей Егоров, Анна Арутюнян.Павел Боркунов. Никого нет. Галерея на Солянке 06 - 22 марта 2026 6 марта 2026 года в Галерее Солянка Объединения «Выставочные залы Москвы» открывается выставка Павла Боркунова «Никого нет» проекта «Русский Стиль». Выставка классика современного искусства Павла Боркунова — это разговор о человеке в пространстве города. Первое слово символически отделило человека от природы, но он всё ещё оставался её частью: частью крупных дихотомий, понятий, бушующих материй и веществ. Всеобъемлющая природа заключала в себе и человека. Он был предоставлен сам себе, пропускал мир через сознание и пытался понять и определить место каждого явления. Спустя тысячелетия осмысления мира, человек, окружённый уже преображёнными камнями и водами природы, остался один в плену продуктов разума своих предшественников. Личность уже не определяет предназначение природной среды, теперь преображённая среда указывает человеку на его незначительную функцию. Квинтэссенция этого явления – город. Асфальт, покрывающий землю, массивы каменных зданий, закрывающих горизонт — это мир преображённой человеком материи. В безжалостном темпе холодного бетонного города утеряна возможность остановиться в моменте. Люди отдаляются друг от друга всё сильнее, оказывается, что вокруг уже никого нет. Однако город, выталкивая человека силой и массой, несёт отпечатки событий, чувств, идей и осмысленной работы, проведённой над его устройством. Чтобы город дал ответы, нужно только обратиться к нему с вопросами. Павел Боркунов, художник, член Московского союза художников. Окончил МАХУ памяти 1905 года, МГАХИ им. В.И.Сурикова. Обладатель множества престижных премий и наград в области изобразительного искусства. Участник более 120 выставок и ярмарок в России, Великобритании, Греции и Бразилии, в том числе 13 персональных выставок. Серия работ включена в государственный каталог Музейного фонда. Руководитель проекта «Русский Стиль» Антон Беликов Кураторы Эмилия Курилова, Светлана Чепрова Галерея Солянка ул. Солянка, д. 1/2, стр. 2 (вход с ул. Забелина) м. Китай-городБеатриса Сандомирская. ГМИИ имени А.С. Пушкина 07 апреля - 21 июня 2026 Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина открывает выставку «Беатриса Сандомирская. 1894–1974» — первую за 60 лет экспозицию, посвященную творчеству выдающегося скульптора. Выставка объединит произведения из собраний музеев России и Армении и впишет наследие Сандомирской в контекст мирового искусства. Образный язык Сандомирской сформировался под влиянием российской скульптурной школы. Но своими учителями она считала не только Сергея Волнухина и Сергея Конёнкова, но и Казимира Малевича. Памятник Робеспьеру работы Сандомирской стал одним из самых обсуждаемых монументов в первые годы советской власти. Беатриса Юрьевна организовывала Государственные свободные художественные мастерские (ГСХМ) в Оренбурге и Туркестане, участвовала в деятельности Общества русских скульпторов (ОРС). Самобытность творчества Сандомирской во многом объясняется глубокой погруженностью в мировые художественные процессы. Она изучила русскую пластическую традицию, увлекалась кубизмом, примитивизмом, африканской скульптурой — но ее собственное творчество можно с уверенностью назвать самостоятельной пластической версией модернизма. Подробнее о проекте Куратор: Алла Есипович-Рогинская, коллекционер советской скульптуры первой трети XX века. Научный консультант: Игорь Смекалов, главный научный сотрудник отдела графики XX века Государственной Третьяковской галереи. Архитекторы: Сергей Чобан, Александра Шейнер (студия экспозиционного дизайна и сценографии «ЧАРТ»).Эрик Булатов. Избранные страницы. РОСИЗО 01 апреля — 14 июня 2026 Государственный музейно-выставочной центр «РОСИЗО» представляет выставку «Эрик Булатов. Избранные страницы», посвященную памяти одного из самых значимых художников современности. Экспозиция расскажет о художественных принципах мастера, сформулированных через «ключи» к пониманию его искусства в книгах, статьях, интервью и высказываниях. Выставка предлагает зрителю узнать внутренние цели, которые ставил перед собой Эрик Булатов как художник и теоретик искусства, приблизиться к сути его произведений. Экспозиция покажет живописные и графические работы художника из российских музейных и частных коллекций, которые будут представлены на двух этажах музейного пространства. В них последовательно раскрываются основы творческого метода Эрика Булатова — концепция картины, вопросы света, пространства, поверхности, цвета, позиции зрителя, а также литературного смысла в изобразительном искусстве. Важной составляющей выставки, отражающей поиски художника, станет тема соотношения вербального и визуального в искусстве. Каждому разделу соответствует цитата мастера, которая раскрывает творчество Булатова через погружение в непосредственный визуальный контакт с произведениями и знакомит с его идеями. Один из залов экспозиции будет посвящен поэзии Всеволода Некрасова, близкого друга и единомышленника Эрика Булатова. Инсталляция со стихотворениями разных лет позволит зрителю сначала сфокусироваться на поэтическом тексте, а затем увидеть, как с ним работает художник в своих графических произведениях. Отдельное внимание будет уделено детской книжной иллюстрации, которой Эрик Булатов занимался вместе со своим другом, художником Олегом Васильевым. В этой работе нашел свое отражение особый подход авторов — от первого титульного листа до последней страницы. Для понимания полноты замысла особенно важен опыт индивидуального взаимодействия с книгой, предлагаемый на выставке. Выставка стала возможной благодаря объединению усилий государственных и частных институций, а также частных коллекционеров, в чьих собраниях хранятся произведения Эрика Булатова. Работы предоставили Государственная Третьяковская галерея, Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Государственный музейно-выставочный центр «РОСИЗО», Музей изобразительных искусств АЗ, Фонд культуры «Екатерина», Фонд поддержки и реализации культурных инициатив Синара, VLADEY Музей и Е.К. АртБюро. Также в экспозицию вошли предметы из личных собраний Екатерины и Владимира Семенихиных, Шалвы Бреуса, Иветы и Тамаза Манашеровых, Марка Курцера. Неоценимый вклад в подготовку выставки внесла вдова Эрика Булатова Наталья Годзина.Рафаэль: Возвышенная поэзия. Метрополитен музей Raphael: Sublime Poetry 28 марта - 28 июня 2026 Погрузитесь в творческий процесс одного из самых любимых и влиятельных художников в истории. Настоящий титан итальянского Возрождения, Рафаэль ди Джованни Санти (1483–1520), более известный как Рафаэль, сочетал амбиции с лиризмом, создавая произведения, обладающие как интеллектуальной глубиной, так и эмоциональной силой — навыком, необходимым в сложной политической обстановке дворов эпохи Возрождения. За свою короткую жизнь, всего 37 лет, он достиг такого огромного успеха как живописец, дизайнер и архитектор, что на протяжении столетий после своей смерти считался вершиной художественного совершенства. «Рафаэль: Возвышенная поэзия» — первая всеобъемлющая выставка, посвященная Рафаэлю, в Соединенных Штатах, объединяющая более 170 величайших шедевров художника и редко демонстрируемых сокровищ, чтобы осветить блеск необычайного творчества Рафаэля. Сын художника и поэта, Рафаэль общался с ведущими писателями и мыслителями своего времени в Риме, демонстрируя поэтическую чувствительность, которая очаровывала его современников и последующие поколения. Проследите всю широту его жизни и карьеры, от его происхождения в Урбино до восхождения во Флоренции, где он начал становиться равным Леонардо да Винчи и Микеланджело, и до его последнего, плодотворного десятилетия при папском дворе в Риме. Чтобы подчеркнуть многогранность его гения, эта выставка объединяет важные рисунки, картины и гобелены из государственных и частных коллекций Европы и Соединенных Штатов, многие из которых никогда ранее не выставлялись вместе. Особое внимание уделяется изображению женщин Рафаэлем — от использования им обнаженных женских моделей впервые в западном искусстве до нежных изображений Мадонны с младенцем — и недавним научным открытиям, сделанным с использованием самых современных технологий. Эта выставка предоставляет редкую возможность познакомиться с гением художника, который помог сформировать ход истории искусства. Выставка проходит в Метрополитен-музее на Пятой авеню. Основное финансирование предоставлено Кеннетом С. Гриффином и компанией Griffin Catalyst, а также Джесси и Чарльзом Прайсом. Значительную поддержку оказывают Фонд семьи Ричарда Райни, Фонд Инга, а также Энтони У. и Лулу С. Ванг. Дополнительную поддержку оказывают Джим Брейер, Фонд Фэй Этты и Ирвинга Флакса, Джули и Дэвид Тобей, Барбара А. Вулф, Гилберт и Илдико Батлер, Дебра и Леон Блэк, Марк Горенберг и Катрин Стикни, Фонд Роберта Лемана, Дина Сивер и Томас Э. Фостер, Энн М. Спруилл и Дэниел Х. Кантвелл, Фонд Коби, Ltd, и Фонд GRoW @ Annenberg. Данная выставка проводится при поддержке Федерального совета по искусству и гуманитарным наукам. Создание каталога стало возможным благодаря поддержке Кэтрин Рейнер, фонда GRoW @ Annenberg Foundation и фонда Вольфганга Ратьена (Лихтенштейн). Дополнительную поддержку оказали фонд Tavolozza Foundation, Оллстон Чапман, Катерина Минардо Махт и Уильям Стронг Барретт, Мэтью и Энн Нимец, фонд Schiff Foundation, Christopher Bishop Fine Art и Роберт М. Бакстон.Пустое пространство. Галерея Измайлово 27 февраля – 29 марта 2026 Название «Пустое пространство» отсылает нас к одноимённому труду Питера Брука о театре: «Любое ничем не заполненное пространство можно назвать пустой сценой. Человек движется в пространстве, кто-то смотрит на него, и этого уже достаточно, чтобы возникло театральное действие». В классицизме существует принцип единства времени, места и действия, и вот, когда действия больше нет, действующие лица не явились, время остановилось, мы обращаем внимание на место. Оно перестает быть фоном и проявляет новые качества. В норме мы концентрируемся на действии, происходящем в тех или иных декорациях. Но вот спектакль отменен. Сцена пуста. В зрительном зале никого. Выставочный проект также затрагивает и тему лиминальных пространств – мест, вызывающих у чувствительных людей целую гамму разных эмоций, от необъяснимой тревоги до жгучего интереса. Это могут быть, например, залы ожидания на вокзалах, коридоры, подземные переходы, мосты, лестницы, пустынные площади и улицы. Чаще всего как лиминальное мы воспринимаем оживленное пространство, запечатленное безлюдным в нетипичную для него минуту. Так мы настраиваем фокус нашего внимания не на действие, а на место, где оно будет происходить. В этих местах мы находимся временно, это не дом, не работа, не конечная цель. Точка, тихая гавань – это прекрасная иллюзия, в ней мы практически никогда не задерживаемся надолго, потому что «вот сейчас разберусь с делами – начнется настоящая жизнь» существует только в будущем, «не настоящем» времени. В зависимости от угла зрения мы можем увидеть как лиминальное почти любое состояние, из которого есть выход и в которое был вход. В этом смысле в триаде «прошлое – настоящее – будущее» именно настоящее является лиминальным. В этом смысле выставка «Пустое пространство» не только и не столько про пространство, а про временность бытия и необходимости с ней примириться, ужиться и преодолеть острую тревогу, связанную с неустойчивостью положения человека. О пустоте же мы говорим как о временном состоянии, потому что она никогда не бывает абсолютной, в ней содержатся условия для начала действия. Благодаря особой оптике художника мы получаем шанс увидеть пространство в момент до, после и между действиями.Константин Молчанов: я из ВХУТЕМАСа. Галерея Беляево 26 февраля – 22 марта 2026 В Выставочном зале Галереи Беляево Объединения «Выставочные залы Москвы» пройдёт ретроспективная выставка «Константин Молчанов: я из ВХУТЕМАСа», посвящённая многогранному творчеству художника-педагога, который прошёл школу знаменитого ВХУТЕМАСа (Высших художественно-технических мастерских) и внёс значительный вклад в развитие советского искусства. В экспозиции будут представлены живопись, графика, плакаты советского времени, фотографии и документы из личного архива художника, охватывающие период с 1920 по 1980 год. Константин Михайлович Молчанов (1906–1980) — советский художник, график и педагог. В 2026 году исполнится 120 лет со дня его рождения. Окончив графическое отделение ВХУТЕМАСа, он активно работал в области агитационного плаката и монументальной графики, сотрудничал с московскими издательствами и ездил в творческие командировки по стране, запечатлевая её преображение. В период с 1939 по 1980 год Константин Молчанов преподавал в Московской средней художественной школе (МСХШ) имени В. И. Сурикова. В годы Великой Отечественной войны он работал в Окнах Телеграфного агентства Советского Союза (ТАСС); в июле 1942 года был мобилизован и прошёл с 1-м Белорусским фронтом путь до Берлина, создав цикл портретов солдат и офицеров, серию зарисовок боевых будней; был организатором художественных выставок в Польше и Германии. После войны Молчанов вернулся к творческой и преподавательской деятельности, воспитав целую плеяду талантливых художников, среди которых Татьяна Назаренко, Владимир Любаров, Ольга Булгакова, Игорь Лемешев, Виктор Иванов. Экспозиция включает живопись, графику и плакаты советского времени. Особое внимание уделено периоду обучения Константина Молчанова во ВХУТЕМАСе. Работы этого времени отражают влияние авангарда и поиски собственного художественного стиля. Многие учебные рисунки, документы (зачётные книжки, удостоверения, учебные планы) и фотографии, которые художник бережно хранил в своём архиве, будут впервые представлены широкой публике. Эти уникальные артефакты позволят проследить, как выстраивалась система обучения студентов ВХУТЕМАСа в 1920–1930 годы. Выставка «Константин Молчанов: я из ВХУТЕМАСа» - это возможность увидеть работы мастера, чьё (см. вложение)художественное наследие является ценным свидетельством эпохи. "Его творчество, отмеченное чертами реализма советского периода, отличают правдивость и гармоничность образов его современников, спокойная красота и поэтичность пейзажей, сюжетное разнообразие и вдумчивое отношение к поставленным задачам времени, профессиональное мастерство, высокая художественная культура, искренняя вера в добро и справедливость", — искусствовед Галина Васильева характеризует искусство Константина Молчанова. Куратор выставки: Елена РыбкоРоуз Уайли. Фотография — на первом месте. Королевская академия художеств. Лондон 28 февраля - 19 апреля 2026 На этой выставке собраны самые знаковые работы Роуз Уайли, а также совершенно новые и ранее не демонстрировавшиеся картины, что делает её самой масштабной выставкой творчества художницы на сегодняшний день. В работах Уайли множество отсылок к кинематографу, знаменитостям, литературе и древним цивилизациям. Среди её персонажей — преимущественно женщин — Елизавета I, Николь Кидман, Мэрилин Монро, Серена Уильямс и Белоснежка. Эти культурные и исторические отсылки переплетаются с её собственным опытом, например, с пережитыми в детстве бомбардировками Лондона. Уайли добилась успеха в начале своей карьеры художницы, которой она начала заниматься уже в зрелом возрасте, в возрасте за пятьдесят. С тех пор она закрепила за собой место культурной иконы; ее искусство, ее уникальный стиль и даже ее заваленная краской студия в сельской местности Кента произвели фурор в мире искусства, моды и за его пределами. Искусство Уайли смелое и яркое, оно напоминает о том, что жизнь полна маленьких, часто забавных, но от этого не менее трогательных моментов.Красный дом. Традиции и наследие. Галерея МОСАРТ 08 августа 2025 — 07 августа 2026 Выставка посвящена семьям и творчеству русских художников, живших и живущих в Красном кирпичном особняке, который носит имя - «Красный дом». Красный дом - живой московский памятник современной художественной культуры. Это скромный жилой дом с мастерскими, построенный в 1930-х годах для самих себя несколькими художниками в подмосковном тогда Новогирееве неподалеку от Владимирского шоссе. Но он связан с именитыми людьми и с уже историческими страницами русского искусства. Основатели «художнического гнезда»: Владимир Андреевич Фаворский, который здесь многие годы жил, вместе с Иваном Семеновичем Ефимовым, скульптором, создателем неповторимо острых, подвижно-точных изображений животных в плотном дереве, Лев Алексеевич Кардашов, ученик Ефимова, скульптор, знаток и любитель дерева. Эти трое художников – изобретатели новых форм, каждый в своем искусстве. Их супруги тоже великие люди искусства. Нина Яковлевна Симонович-Ефимова, кузина Валентина Серова, вместе с супругом была создателем удивительного кукольного театра, где разыгрывали не только басни Крылова, но и шекспировского «Макбета», и еще театра теневого. Талантливой и тонкой художницей была и жена В.А. Фаворского Мария Владимировна. Всех этих основателей Дома уже нет. Умерла и несколько позже поселившаяся в нем Елена Людвиговна Коровай, тонкий живописец, а также мозаичистка и автор выразительных масок, например, персонажей «Сказки о попе и работнике его Балде», предназначавшихся для печати, но так и не изданных. Не вернулись с войны молодые художники, сыновья Фаворских — Никита и Иван. Дом хранит и чтит память своих ушедших хозяев. Сохраняются бережно мастерские старших мастеров, оставшиеся в них работы. Как и прежде здесь живут несколько семей, тесно друг с другом связанных родством, строем жизни, общностью художественных интересов и позиций, постепенно сложившимися традициями и обычаями. «Красный дом. Традиции и наследие» – это выставка, оживляющая историю жизни и творчества художников Красного дома. В экспозиции органично переплетаются живопись, графика, фигуры для теневого театра и кукольных представлений, рожденные в стенах этих мастерских. Посетители смогут увидеть книги и личные инструменты мастеров, запечатленные на фотографиях монументальные работы, украшающие фасады зданий, а также проникнуться теплотой семейных традиций, отраженных в фотографиях и коротких заметках, раскрывающих личные истории художников, создающих неповторимый образ Москвы. Пространство выставки воссоздаёт атмосферу дома, зритель попадает в интерьер, который несёт в себе историю искусства с начала XX века. Алексей Лука, архитектор и художник, создал проект интерьера, как художественное высказывание, призванное обратить внимание на хрупкость Красного дома и призывом сохранить этот объект, который является культурным наследием.Игорь Волков. Пустыня широкой огласки. Галерея ФАЙНАРТ 04 марта — 12 апреля 2026 Игорь Волков — самобытный художник из города Павлово Нижегородской области, но его творчество привлекает внимание большого количества зрителей и коллекционеров по всему миру. Не причисляя себя ни к каким течениям современного искусства, он работает в стилистике, которую сам определяет как «watercolor dark industrial». И хоть такого направления в мировом искусстве не существует, оно ( направление) есть в мыслях и чувствах Игоря Волкова. К авторскому термину можно добавить и еще один, но уже давно существующий музыкальный жанр - Эмбиент (от англ. ambient - «окружающий») - жанр электронной музыки, который делает акцент на тембр, атмосферу и текстуру звука, а не на традиционные мелодию или ритм. Его главная цель создать звуковую среду, настроение или атмосферу Игорь Волков возводит технику, воспринимающуюся как легкую и эскизную, до состояния монументальности, затрагивающей экзистенциальные вопросы и суть акварельной живописи. Акварель для Волкова - это не просто техника, это его философия, и её «тайны» напрямую переплетаются с природой памяти и воспоминаний. Вглядываясь в его картины/ кадры вы попадаете в пустыню. Это не песчаные барханы, это пустыня души, зимнего пейзажа и индустриального «нечто и ничто». Покрытые и прячущиеся под снегом объекты среды, уходящие в никуда составы и люди, темные деревенские дома, сломанные металлоконструкции, засохший борщевик вдоль дороги и дети в советских шубках и ушанках… ОБРАЗЫ, внутри которых — «целый мир и космос».Александра Хаипская. Засмеялся и – забыл. Галерея БИС АРТ 04 марта —17 марта 2026 Персональная выставка Александры Халипской «Засмеялся и – забыл», посвящённая теме ностальгии. Ностальгия — светлый призрак, который возвращается из прошлого, чтобы напомнить: было время, когда мир казался проще, а жизнь — чуть волшебнее. В каждом вздохе ностальгии есть двусмысленность: она и болит, и лечит. Человек ловит себя на том, что листает отпечатанные с экрана пиксели детства. Это ощущение маятника — туда и обратно, назад в уют прошлого и обратно в шум настоящего. Каждый момент ностальгии — маленький парадокс, в котором память становится одновременно якорем и крыльями. Это не просто скука по давно ушедшему: это создание нового значения, текущего, рассыпающегося сквозь призму времени. Данная выставка — размышление о том, что для каждого человека является ностальгией. Александра Халипская предлагает погрузиться в уютные воспоминания и поймать ускользающий мотив “туда-обратно”.Модно-Подводная Одиссея команды Садко. Галерея на Таганке 28 января 2026 - 22 февраля 2026 В основе проекта — переосмысленная былина о Садко, в которой герой, по велению морского царя, ловит золотых рыб с перьями, побеждает в споре с новгородскими боярами и отправляется с командой в заморское торговое путешествие. На чужих берегах Садко встречает невиданных зверей и птиц, золотых пчёл и фантастических существ — все они воплощают символы нового, неизведанного пространства. В море путников настигает шторм, морской владыка требует человеческой жертвы, и Садко, отдавая себя, оказывается в подводном царстве на золотой ладье. Пройдя через испытания, он благополучно возвращается в Новгород вместе с товарищами и приводит с собой Чернавушку — самую прекрасную из девиц. В выставочном проекте это путешествие становится метафорой преодоления препятствий, умения отсекать лишнее и совершать судьбоносный выбор. Золотые предметы выступают символами успеха и скрытых механизмов жизни, где главное богатство определяется не материальными благами, а верностью внутренним ориентирам. Ладья воплощает идею пути сквозь пространство и время, улей и пчёлы символизируют домашний очаг и природное изобилие, а экипаж Садко предстаёт в живописных и графических образах. Выставка формирует пространство для яркого эмоционального и эстетического опыта. Её главная идея проста: создавать искусство —значит испытывать счастье. Проект побуждает зрителей не только обратиться к произведениям экспозиции, но и самим ощутить желание творить. Возрастное ограничение 18+ Художники: Юра Мекс,Юлия Че, Андр Карт Куратор: Ксения Горбатюк Галерея ЗДЕСЬ на Таганке ул. Таганская, д. 31/22 м. «Таганская» +7 (495) 678-55-78 zdesnataganke@vzmoscow.ruВерность искусству. Памяти Андрея Толстого. ММСИ 11 февраля - 11 марта 2026 Московский музей современного искусства представляет экспозицию к 10-летию со дня смерти Андрея Толстого (1965—2016) – «Верность искусству. Памяти Андрея Толстого». Научное наследие Андрея Толстого охватывает широчайший круг тем, но в центре его внимания всегда оставались судьбы художников русской эмиграции и взаимосвязи отечественного искусства с мировым контекстом. Его работы о «парижской школе» и мастерах русского зарубежья XX века стали фундаментальными для исследователей, а глубокий анализ связей между Россией и Западом помог по-новому взглянуть на диалог культур. В экспозиции представлены фотографии с Андреем Владимировичем, а также подборка книг, статей в научных сборниках, каталогах, альбомах и журналах, написанных Андреем Толстым. Посетители смогут ознакомиться с такими изданиями, как «Художники русской эмиграции», «Толстовские искусствоведческие чтения» и многими другими материалами из собрания библиотеки. Читальный зал библиотеки Московского музея современного искусства хранит мемориальный фонд Андрея Толстого, включающий коллекцию из более чем 730 книг.Люсьен Фрейд: от рисунка к живописи. Национальная портретная галерея, Лондон Lucian Freud: Drawing into Painting. The National Portrait Gallery 12 февраля - 04 мая 2026 Выставка «Люсьен Фрейд: от рисунка к живописи» — самая полная музейная экспозиция в Великобритании, посвященная работам художника на бумаге, включая некоторые произведения, представленные публике впервые. Люсьен Фрейд (1922–2011) получил признание как один из ведущих британских художников-фигуративистов, прославившийся своими предельно реалистичными и тщательно проработанными портретами и этюдами обнаженных тел. Методика работы Фрейда, художественные приемы и процессы, а также его преданность жанру портретной живописи — все это способствовало его популярности как художника. Выставка исследует увлечение художника человеческим лицом и фигурой на протяжении всей его жизни, начиная с 1930-х годов и до начала XXI века, уделяя особое внимание мастерству Фрейда в рисовании во всех его формах – от карандаша, пера и чернил до угля и офорта. Кроме того, тщательно отобранная группа важных картин раскроет динамичный диалог между его практикой на бумаге и на холсте. В преддверии выставки 2026 года Национальная портретная галерея приобрела 12 новых работ из собрания Люсьена Фрейда. Среди них 8 офортов, включая пробный оттиск, которые стали первыми работами Фрейда в этой технике, попавшими в коллекцию Национальной портретной галереи. Один из недавно приобретенных офортов, изображающий дочь художника, модельера Беллу Фрейд, представлен на новой выставке наряду с архивными исследованиями и ранее не публиковавшимися материалами. Выставка «Люсьен Фрейд: от рисунка к живописи» — первая выставка работ Фрейда в Национальной портретной галерее после масштабной ретроспективы « Портреты Люсиана Фрейда» , состоявшейся в 2012 году, вскоре после его смерти. После показа в Национальной портретной галерее выставка «Люсьен Фрейд: от рисунка к живописи» отправится в турне по Музею современного искусства Луизианы в Хумлебеке, Дания, с 10 июня по 27 сентября 2026 года.Праздник Весны. Новый год в старом Пекине. Музей Москвы 07 февраля — 31 мая 2026 Выставка «Праздник Весны. Новый год в старом Пекине» — совместный проект Музея Москвы и Столичного музея Китая, реализуемый при поддержке Департамента культуры города Москвы в рамках цикла международных и национальных проектов на базе городских музеев. Выставка начинает работу 17 февраля — в первый день нового года по китайскому лунно-солнечному календарю. В России китайский Новый год часто воспринимается как аналог одного из главных зимних праздников нашей страны. Однако по содержанию его правильнее сравнивать с Масленицей, так как традиционно он отмечает начало сельскохозяйственного цикла и пробуждение природы. Отсюда его главное название — Праздник Весны (Чуньцзе, 春节). С одной стороны встреча и проведение Нового года объединяют весь Китай, с другой — в каждом регионе страны существуют свои особенности. Эта разница проявляется как в нюансах, например виде костюма для танца льва, так и в более значительных отличиях — на юге центральное место на новогоднем столе занимает рисовый пирог няньгао, тогда как на севере предпочитают пельмени цзяоцзы. Выставка рассказывает о северной традиции празднования, главным центром которой исторически является Пекин. Экспозиция разделена на три основные части: «Подготовка», «Встреча» и «Празднование», и проведет посетителей по всем этапам праздника — от уборки дома и покупки фейерверков до уличных гуляний и запуска фонариков. Зритель узнает, откуда произошли 12 зодиакальных животных и как устроен лунно-солнечный календарь, что такое каша лаба и почему в Пекине с ее приготовления начинается праздничная суматоха, как украшается традиционный китайский дом, что такое алтарь предков и зачем на нем сжигают деньги в канун Нового года. Также экспозиция расскажет о праздничных шествиях, где можно увидеть львов и драконов, о том, зачем в небо запускают воздушных змеев в виде ласточек и бьют в барабан тайпингу накануне Праздника фонарей, который завершает празднество, какое место отводится пекинской опере и почему боярышник в карамели до сих пор остается любимым лакомством пекинцев на Новый год. Погружаясь в традицию проведения этого масштабного праздника, посетитель откроет для себя различные грани культурной жизни Китая — от религиозных представлений и гастрономических предпочтений до семейных ценностей и эстетических воззрений. Масштаб и история праздника отражены в многочисленных произведениях искусства, построенных на сюжетах его подготовки и проведения: сюжеты с лепкой снеговика в виде льва встречаются на свитках, запуски воздушных змеев и волчков изображаются на чайных пиалах, а рисунки с уличными акробатами можно заметить на табачницах, женские серьги копируют новогодние императорские фонари. Художники вдохновлялись семейной интимностью и одновременно массовостью этого праздника, ведь в этот период улицы всегда переполнены разными формами искусства, которые словно пытаются перекричать друг друга. В экспозиции представлены произведения искусства разных эпох — начиная с терракотовых статуэток империи Тан (618–907) и заканчивая работами современных мастеров. Сочетание в одном пространстве предметов различных исторических периодов усилит представление зрителя о древности праздника и непрерывности традиций. Сквозь всю выставку проходят знаменитые новогодние картины (няньхуа, 年画) — лубки, которые иллюстрируют празднование Нового года на каждом этапе. По всему Китаю сформировались свои региональные школы няньхуа, которые отличались визуальным стилем и смысловым наполнением. Главным центром производства няньхуа для Пекина стал поселок Янлюцин. Эти листы — особый вид традиционного искусства: они не просто несли благопожелания, но и выступали своеобразной хроникой эпохи. В экспозиции будут представлены образцы рубежа XIX–XX веков, а также современные няньхуа, приобретенные кураторами выставки в рамках научной экспедиции в Китай. В основе выставки — коллекция Столичного музея Китая, которая дополнена предметами из российских музеев, включая Государственный Эрмитаж, Музей антропологии и этнографии им. Петра Великого (Кунсткамеру) Российской академии наук, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Государственный музей Востока, Государственный музей истории религии и другие. Среди экспонатов — новогодние картины большого формата с изображением празднования на улицах Пекина, в том числе те, что украшали Запретный город; изделия из золота и бронзы эпохи Мин (1368–1644); благопожелательный свиток с иероглифом «Счастье» (фу, 福), написанный императором Юнчжэном (годы правления 1723–1735); воздушные змеи из провинции Шаньдун, родины этого искусства; свитки Ци Байши — одного из самых известных художников Китая XX века. Всего на экспозиции будет представлено около 300 экспонатов. Куратор: Ксения Гусева, искусствовед, старший научный сотрудник Музея Москвы Архитектор: Анна Румянцева Графический дизайн: Рустам ГаббасовПеределкинские плэнеры. Галерея Богородское 06 февраля - 08 марта 2026 Голос нынешнего века и виденья той поры. Переделкинские пленэры: дома и дворы Галерея Богородское Объединения «Выставочные залы Москвы» представляет групповой выставочный проект современных художников, работающих на открытом воздухе. Экспозиция включает произведения живописи и графики, выполненные в стиле реализм. Выставка посвящена легендарному писательскому посёлку Переделкино — месту, где переплетались судьбы многих выдающихся деятелей культуры XX века. В разные годы здесь жили сотни писателей, многие из которых стали по-настоящему великими и создали вечные произведения, оказавшие влияние не только в СССР, но и за его пределами. Концепция экспозиции отражена в её названии и заключается в попытке запечатлеть современный облик известного исторического посёлка. Дома и дворы — важная часть культурной среды: по их внешнему облику можно составить впечатление о жителях и традициях эпохи. Выставка объединяет «Лавочку Ахматовой», «Дом Чуковского», «Дачу Окуджавы», «Дом Пастернака» и другие дворы знаменитых деятелей культуры, позволяя зрителю погрузиться в атмосферу творческого посёлка. Уникальность проекта заключается в классическом подходе к формированию выставочного пространства, соответствующего духу исторического периода. Плотная развеска работ, реалистичные живописные и графические полотна создают особую художественную среду. Возрастной ценз: 0+ В рамках выставки пройдет кураторская экскурсия: 27 февраля 19:00 — на экскурсии куратор Игорь Гареев расскажет о том, как родилась идея выставки, легко ли художникам собираться на пленэре в любую погоду и, конечно, же о каждом доме, вошедшем в экспозицию. Вы не только узнаете об истории дома, его хозяевах, но и буквального загляните в каждый из них, узнаете о судьбах их обитателей. Кураторы Игорь Гареев, Ольга Кукина Координатор Мария Витлина Художники Нина Алексеева, Дарья Верещагина, Анна Владимирова-Лаврова, Слава Ганенко (Glory), Екатерина Глазкова, Вера Ельницкая, Инна Каленская, Юлия Картошкина, Анна Карюкина, Екатерина Кирюханцева-Корнеева, Екатерина Коваленко, Константин Колчев, Ольга Кукина, Наталья Макоед, Мария Мальцева, Ева Март, Ольга Обухова, Наталья Перминова Нерпа, Василиса Ризова, Андрей Степанов, Анна Толстикова Галерея Богородское Открытое шоссе, д. 5, корп. 6 м. «Бульвар Рокоссовского» +7 (499) 168-30-15 bogorodskoe@vzmoscow.ru Время работы галереи: вт-вс 11:00–20:00Этрета, за скалами. Курбе, Моне, Матисс. Музей изящных искусств Лион 29 ноября 2025 - 01 марта 2026 Некоторые картины с изображением Этрета со временем приобрели культовый статус и прочно закрепились в коллективном сознании. Музей изящных искусств Лиона в партнерстве с Музей Штеделя представляет выставку, посвященную изображениям Этрета, основанную на четырех основных работах из коллекций двух учреждений, созданных в Этрета: Две Волны работы Гюстава Курбе (1869-1870), а также две картины Клода Моне: «Завтрак» (1868-1869) и Бурное море в Этрета (1883). Эти работы свидетельствуют о ключевой роли этой деревни на нормандском побережье в развитии новых изобразительных языков на протяжении XIX века : выставка, посредством коллекции картин, рисунков, фотографий и архивных материалов, прослеживает историю открытия деревни художниками и создания ею мифического пейзажа. Это место было обнаружено в 1820-х годах художниками-романтиками, следовавшими по стопам Эжена Изабе. Их очаровала возвышенная красота этого места, его скалы и ворота, высеченные в меловых породах, сохранившиеся благодаря удаленности от основных транспортных магистралей. Здесь останавливались многие художники, как французские, так и иностранные: Эжен Ле Пуаттевен, Иоганн Вильгельм Ширмер, Эжен Делакруа, Камиль Коро и даже Виктор Гюго. Этрета зарекомендовала себя как один из центров нового живописного движения. Летом 1869 года Курбе написал несколько полотен, которые считаются одними из его величайших работ. Моне регулярно останавливался там в период с 1883 по 1886 год, работая над мотивом скал, запечатленных при разном освещении и в разное время суток. Следуя их примеру, Анри Матисс приехал в 1920 году и завершил эту историю, начав диалог со своими двумя выдающимися предшественниками, диалог, который продолжил фотограф Элгер Эссер серией работ, выпущенной в 2000 году. Уникальность Этрета заключается в том, что своей репутацией он обязан прежде всего художникам, а затем писателям, которые способствовали дальнейшему росту популярности этого курорта, включая Альфонса Карра, Гюстава Флобера и особенно Ги де Мопассана, а затем и Мориса Леблана. В то время как территория Этрета сейчас находится под угрозой, ослабленная чрезмерным туризмом и эрозией скал, ускоренной последствиями глобального потепления, выставка ставит под сомнение наше восприятие ландшафта: как мотив, благодаря сочетанию литературы и живописи, смог отделиться и приобрести символическую роль, став эмблемой идентичности, известной за пределами границ? Александр Эйлинг, руководитель коллекции современного искусства, Музей Штеделя, Франкфурт-на-Майне; Стефан Паку, главный куратор, отвечающий за живопись и скульптуру XIX века, Музей изящных искусств в Лионе; Изольда Плюдермахер, главный куратор живописи, Музей Орсе и Ева-Мария Хёллерер, куратор отдела современного искусства, Музей Штеделя, Франкфурт-на-Майне.Ювеналий Коровин. Частная жизнь. Галерея Ковчег 18 февраля -12 апреля 2026 Куратор Сергей Сафонов Имя художника Ювеналия Дмитриевича Коровина (1914 – 1991) крепко связано с временем «шестидесятничества». Продолжая работать и в последующие десятилетия, Коровин не менял, но шлифовал свой художественный язык. Он родился в Екатеринбурге. С 1933 по 1939 учился у Павла Павлинова, Константина Истомина, Михаила Родионова на графическом факультете Московского института изобразительных искусств, одного из продолжений легендарного ВХУТЕМАСа. «Дмитрий Матвеевич Коровин, мой отец, юрист по образованию (Казанский университет) – сын сельского священника, полный народнических идей, мягкий, добрый человек. Любил книги, по вечерам нам читал вслух (чаще Чехова). В его книжном шкафу – альбомы открыток (больше передвижников) – может быть, с них я начался как художник. Клавдия Лукиановна Коровина (Голованова), моя мать, дочь нижнетагильского купца. Помню сжатые губы, усталые глаза – на ней все хозяйство и дети (их много, болеют); в молодости «учительствовала» на селе (как и отец) – умела вскоре после ареста отца». Это случилось в 1938-м. Коровин-старший умер в заключении в 1944-м, реабилитирован в 1956-м… Уже в 1940 году будущий художник был призван в армию, служил на Карельском перешейке, демобилизовался в 1945-м и в тот же год начал работать для издательств «Детская литература» и «Молодая гвардия». Ему потребовалось примерно десятилетие для полноценного возвращения в профессию. Начав свою профессиональную карьеру с иллюстраций, Ювеналий Коровин неизменно двигался в направлении станкового искусства. «Коровин – мастер обыденных, незамысловатых сюжетных ситуаций, раскрывающий жизнь в ее самых простых проявлениях», - писал о нем в издании 1977 года Юрий Осмоловский. И приводил слова самого художника: «Я «ушиблен» жизнью и не могу, и не хочу абстрагироваться». В 1962-м в Москве прошла первая персональная выставка Ювеналия Коровина – и ровно в том же году, после скандала с выставкой в Манеже, Коровин был, в назидание, снят с поста председателя графической секции МОСХа. В 1968-м Ювеналий Коровин участвовал в выставке легендарной группы «Шестнадцать». Среди художников – давние ковчеговские «завсегдатаи»: Екатерина Григорьева, Карл Фридман, Виктор Попков, Евгений Расторгуев… «Ювеналий Коровин – художник большой культуры и виртуозного мастерства. Он учился у К. Истомина, в искусстве которого строгость, логичность школы Холлоши соединилась с традиционной русской живописностью», - писал в издании по следам выставки искусствовед Григорий Анисимов. Там же вновь цитата самого художника. «Жду зрителя (и критика) внимательного и не очень торопливого. Смысл сделанного - внутри изображения, чтобы извлечь его оттуда, нужно время». Следующую цитату Ювеналия Коровина приводит в каталоге очередной выставки слегка изменившейся по составу группы (выставка состоялась в 1977 году в Московском Доме художника) искусствовед Михаил Лазарев. «Я традиционен – нова и неожиданна меняющаяся действительность, ее новизну хочется выразить, и как можно логичнее». Для показа в «Ковчеге» решено отказаться от иллюстраций и работ, привезенных художником из поездок в Европу и Китай. Главные персонажи – ближний круг Ювеналия Коровина (люди и собаки), а также пейзажи любимых мест: Тарусы, Ленинграда, Москвы…